L’exposition Art brut japonais présente les œuvres d’une cinquantaine de créateurs. Ces personnes souvent confrontées à un isolement mental ou social, utilisent toutes techniques et tous matériaux.
Il est aujourd’hui difficile de différencier l’expression de ces artistes de celles d’artistes développant une voie « brute » empreinte de techniques mixtes, travaillant en série parfois également de manière compulsive.
L’art est une technique libératoire d’expression plus ou moins vital en fonction des individus.
Cependant les œuvres présentées dans cette exposition sont celles issues de personnes souffrant d’incapacités ou de dysfonctionnements intellectuels. Certains créent dans des ateliers protégés, d’autres sont autonomes.
« …. ils semblent à mille lieues de se préoccuper du regard des autres, du public, de la critique ou du marché. Ils créent pour eux-mêmes….
…. Il y a un véritable attrait au Japon pour l’art qui naît dans les marges. Actuellement, la prospection se fait surtout dans le monde du handicap car elle correspond à une volonté politique de donner plus de reconnaissance sociale aux handicapés » , explique Martine Lusardy, conservatrice du musée et commissaire de l’exposition.
C’est la deuxième exposition consacrée à l’art brut du japon. Ici de nombreux artistes sont des jeunes nés dans les années 1980-1990.
Noël d’Artistes à la Galerie de l’Angle du jeudi 20 au dimanche 23 décembre.
De quoi parfaire, finaliser vos cadeaux de Noël ou tout simplement promenade artistique dans un bien joli quartier.
L’opportunité s’est présentée d’organiser une vente d’oeuvres d ‘artiste et nous l’avons saisie.
Nous, ce sont 6 artistes, photographe, céramiste, peintre , sculpteur, plasticien et créateur de bijoux.
et nous vous proposons une sélection d’œuvres originales, uniques;
des tableaux, sculptures, photographies, bijoux, céramiques et mosaïques – de nombreux petits formats…. faciles à emporter, pour le plaisir d’offrir tout en encourageant la création et les artistes.
Les aquarelles de Sandrine Vella sont lumineuses et aériennes. C’est un hymne à la nature !
Les sculptures vélo de Nathalie Thillay , pleines de drôleries ravissent petits et grands.
Les photos de Dominique Baliko tout en ligne et courbe vous content Paris, la vie, la Seine.
Les céramiques raku de Annie M racontent la terre et ses couleurs chaudes et naturelles.
Les mosaïques « impressionnistes » de Pascal Levaillant évoquent la Seine et la lumière du fleuve.
Chez Chrismali, le ticket de métro, support de création de tableaux, sculptures et bijoux s’efface au profit des histoires mises en scène et qui vous parlent d’hommes et de nature.
C’est à la Galerie de l’Angle proche des métros Bastille, Bréguet Sabin , Chemin Vert, et nous serons ravis de vous y accueillir.
Esprit vélo – avec chambre à air Chrismali
Chrismali La vie Quoi!Chrismali Des-fleurs-autrement detailNathalie ThillayNathalie Thillay
« Autour du Japon » est la nouvelle exposition présentée par Hélène Aziza.
« Hélène AZIZA accueille chez elle, au 19 rue Paul Fort, des créateurs et leurs créations, au gré des occasions, au fil des rencontres.
Lieu sans modèle connu –sinon « les salons » privés où se rencontraient sous le sceau de l’amitié artistes et amateurs – le 19 Paul Fort est avant tout une maison ; chaque événement – exposition, concert, lecture, présentation… est une rencontre qui y trouve une forme inédite à la fois chaleureuse et exceptionnelle. »
(J.P ROBERT)
Elle reçoit jusqu’au 16 décembre des artistes contemporains japonais ou travaillant en lien avec le Japon; Philippe BARDE & Toshio MATSUI, POLYHEDRE (Vincent JOUSSEAUME-Batiste YMONET), Jacques KAUFMANN & Koho WADA, Jacqueline SALMON & Misuzu KANEKO, Betty de Paris
Pour ce septième opus de « Autour du Japon », j’ai eu le plaisir de découvrir ou revoir
Le talentueux céramiste Jacques Kofman avec ces pièces céramiques feuilletées évoquant des roches ayant subies torsions et déchirures.
L »artiste Koho Wada, maître en art floral qui met en scène la végétation, travaillant tout particulièrement le très petit. Il joue avec les céramiques de Jacques Kofman et met en scène ses végétaux.
Betty de Paris, artiste plasticienne renommée pour son expertise en teinture indigo, expose et installe ses pièces indigo. Elle présente des dessins à l’indigo, des tissus tentures, installation textile, vêtement et furoshiki.
Jacqueline SALMON , photographe, présente ses scènes de vie japonaises, images inspirées des poèmes de Misuzu KANEKO qui accompagnent cette exposition.
« Rêve et réalité »
Si le rêve était réalité et la réalité rêve
Ce serait merveilleux, non ?
Puisque dans le rêve rien n’est jamais fixé
Tout serait merveilleux, non ?
Après le jour ne viendrai pas à la nuit
Et- qui sait? – moi qui ne suis pas une reine…
La lune, on pourrait l’attraper
On pourrait peut-être même entrer dans le cœur d’un lys
Les aiguilles de l’horloge tourneraient dans l’autre sens
Les morts serai toujours là
Vraiment si rien n’était jamais fixé
Ce serait merveilleux
Voir de temps en temps la vérité en rêve
Ce serait merveilleux
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Atul Didiya à la galerie Templon, exposition « the fragrance of a paper rose »
La Galerie Templon présente l’ un des pionniers de l’art contemporain indien Atul Dodiya, encore peu exposé en France.
3 thématiques sont présentées
1. »L’artiste a conçu une exposition inédite autour du peintre Morandi, célébration de la beauté d’un monde hanté par la peur de la perte, réunissant de nouvelles œuvres hybrides – peintures, installation et cabinets de curiosité. Un dialogue du film de Federico Fellini La Dolce Vita est le point de départ de l’exposition : lors d’une réception, face à un tableau de Morandi, le héros exprime sa fascination pour le calme et la beauté de la composition du peintre, avant de révéler son angoisse devant cette sérénité apparente : ‘la paix me fait peur, peut-être plus que tout. J’ai l’impression qu’il ne s’agit que d’une façade qui cache le visage de l’enfer’.
…. Vingt peintures directement puisées du film inaugurent le parcours.
2 La galerie présente également une série de peintures inspirées par les fresques italiennes de la Renaissance. La colonne de Brancusi y devient un motif abstrait récurrent. Atul Dodiya mêle les références autant qu’il marie les techniques (peinture à l’huile, mastic, stratifié) pour offrir à sa peinture une matérialité inédite.
3 Une installation « the fragrance of a paper rose »
» celle-ci nous montre, à la manière d’un grand cabinet de curiosités et aux travers trois grandes vitrines des « objets trouvés » et photographies d’Atul Dodiya rappelant l’œuvre de Morandi.
Atul Dodiya est né en 1959, vit et travaille à Mumbai en Inde. Il a été le premier à jeter des ponts entre art indien et occidental. L’expérience d’une année de formation à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts à Paris au début des années 1990 a été fondatrice. De la même génération que Subodh Gupta, Bharti Kher ou Sudarshan Shetty, il a emergé sur la scène internationale en même temps qu’eux dans les années 2010.
Son œuvre fait voisiner culture populaire et références au cinéma ou à la littérature. Derrière l’humour et la poésie, la politique reste un de ses sujets de prédilection.
Il est représenté dans les collections de nombreuses institutions internationales, dont celle du Mnam-Centre Pompidou. Il a pris part à la plupart des grandes expositions sur l’art indien organisées aux Etats-Unis, en Europe et en Asie ces dernières années.
Pour en savoir plus – Voir ci après l’ article de Siegfried Forster pour RFI (Radio France Internationale, radio et web) du 5 octobre 2012
« Habillé tout en noir, des lunettes Ray-Ban sur le nez, c’est ainsi que se présente à nous l’un des plus grands artistes contemporains indiens. Atul Dodiya né en 1959, vit et travaille à Mumbai. Il est l’un des pionniers de la nouvelle génération post-moderne. C’est après avoir résidé un an à Paris qu’Atul Dodiya a décidé de quitter le photo-réalisme et de s’ouvrir à d’autres formes d’expressions. Sa dernière série de peintures porte des citations de poètes français, en hommage aux luttes des Scribes de Tombouctou
Vous avez peut-être vu ses célèbres icônes de Mahatma Gandhi à Delhi, Hong Kong ou New York, admiré ses époustouflants rideaux métalliques peints au Centre Pompidou, visité l’actuelle grande exposition de ses œuvres à Copenhague ou acheté un tableau à la galerie parisienne Daniel Templon qui organisait en automne sa première exposition personnelle en France. C’est à Paris, au début des années 1990, qu’Atul Dodiya a appris la grande liberté artistique qui caractérise son œuvre : « Cela a totalement changé ma manière de regarder la vie, l’art et mon environnement. J’habitais à quelques minutes du musée Picasso. Picasso pouvait tout faire, il n’avait jamais peur. Alors je me suis dit : je suis un tout petit artiste, pourquoi moi devrais-je avoir peur ? » Depuis, il s’autorise des sauts incroyables dans son style et ses supports : de la peinture à l’huile sur toile jusqu’aux rideaux métalliques. De Mondrian à Malevitch jusqu’à Mumbai et la culture populaire indienne du Bollywood. C’était lui le pionnier dans ce mélange d’influences et références entre l’histoire de l’art occidental et indien ou oriental. « Quand j’étais étudiant à Bombay, je me suis beaucoup intéressé aux réalisateurs français comme Truffaut, Chabrol, Bresson… mais c’était surtout Godard qui m’avait profondément touché. Dans ses films, il y a souvent plusieurs choses qui se passent au même moment. Les références et les citations que vous pouvez trouver dans mon travail prennent leurs racines quelque part aussi dans le travail de Godard. » La toute dernière œuvre d’Atul Dodiya a recours à l’actualité brûlante des destructions à Tombouctou. Le saccage des mosquées et l’histoire des scribes de Tombouctou l’ont profondément bouleversé. « Les scribes ont gardé un respect très profond pour la tradition Habillé tout en noir, des lunettes Ray-Ban sur le nez, c’est ainsi que se présente à nous l’un des plus grands artistes contemporains indiens. Atul Dodiya né en 1959, vit et travaille à Mumbai. Il est l’un des pionniers de la nouvelle génération post-moderne. C’est après avoir résidé un an à Paris qu’Atul Dodiya a décidé de quitter le photo-réalisme et de s’ouvrir à d’autres formes d’expressions. Sa dernière série de peintures porte des citations de poètes français, en hommage aux luttes des Scribes de Tombouctou, au Mali. et leurs fameux manuscrits du temps où Tombouctou était une des capitales du savoir, au XII ème siècle. Un aspect important de mon travail, c’est l’usage de la langue. Et la langue officielle du Mali, c’est le français. Quand j’ai pensé à écrire quelque chose dans mes tableaux, j’ai pensé que le français serait la langue idéale. » Les peintures aussi lumineuses que hantées qui en résultent laissent apparaître des visages défigurés et des squelettes. Sur un fond sombre, presque noir, s’affichent des citations, héritage de sa fascination pour des écrivains et poètes français comme Baudelaire, Sartre, Camus, Gide ou Claude Royet-Journoud. Le français, une langue qu’il aime tant, mais qu’il ne maîtrise pas. « J’ai utilisé l’un des meilleurs livres sur la poésie française du XX ème siècle, c’est une édition bilingue, confie Dodiya. Je l’ai d’abord lu en anglais. Après je me suis dit, il serait mieux de l’écrire en français. Chaque mot a une signification très précise que chaque poète a minutieusement choisie. En conséquence, hors de France, les gens doivent chercher la signification, ils doivent faire des efforts, demander à des gens, surfer sur Internet, consulter des livres. C’est quelque chose qui me plaît. »
RFI- Siegfried FORSTER
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Arts et AI. Un tableau réalisé par Intelligence artificielle vendu 432500 dollars
Le tableau « Edmond de Belamy » fruit du travail du collectif français Obvious a été adjugée chez Christie’s à New York le 23/10/2018 pour 432 500 dollars.
Cette info glanée dans le journal m’a incité à en savoir plus!
L’Ai et les algorithmes sont partout —- Origines de nouveaux pouvoirs et de richesses, ils sont également présents dans les arts!
« Edmond de Belamy » est le premier portrait « peint » par une intelligence artificielle proposé par Christie’s, la célèbre maison de ventes aux enchères. Derrière cette œuvre, il y a le collectif français Obvious. Rencontre.
C’est une étrange inscription qui figure à la place de la signature, en bas du tableau « Edmond de Belamy ». Il y est écrit « Min (G) max (D) Ex [log (D(x))] + Ez [log(1-D(G(z)))] ». Une équation qui va à coup sûr intriguer le public qui assistera à la vente de ce portrait au siège de Christie’s à New York, jeudi 25 octobre. La toile est la première réalisée par une intelligence artificielle (IA) que le célèbre établissement proposera aux enchères.
Une création française, qui plus est. « Edmond de Belamy » a été conçu sans pinceau, mais avec un ordinateur et des algorithmes, dans un appartement à deux pas de la gare du Nord à Paris. Le tableau est le fruit de la collaboration, depuis plus d’un an entre Gauthier Vernier, Pierre Fautrel et Hugo Caselles-Dupré – trois amis de longue date – et la machine.
Ils ont donné à un logiciel 15 000 portraits d’artistes et d’époques divers.
Pour le collectif, l’artiste n’est pas ici uniquement l’intelligence artificielle. Il s’agit d’une collaboration homme – machine.
Christie’s a mis le portrait d’Edmond de Belamy en vente, c’est un moyen de tester un éventuel marché, le prix estimé était proche des 11 000 euros. Il s’est adjugé 432500 dollars.
Un collectionneur a déjà acheté l’un des portraits fabriqués par Obvious,
Pour le groupe Obvious, c’est l’obligation aussi de financer ce travail de recherche en créativité, qui nécessite de très gros moyens en puissance de calcul.
Le collectif Obvious n’est pas le seul à travailler création, algorithme, je peux citer Claire Malrieux voir article de 2015 sur Claire Malrieux, artiste chercheuse en quête d’une modélisation du dessin aléatoire – Exposition A dessin voici l’article présentant son travail
J’avais eu le plaisir de retrouver son travail en 2016 à la Biennale de Venise dans l’un des pavillons annexes.
Quand l’AI s’immisce jusque dans les arts avec une telle reconnaissance …. cela fait froid dans le dos!
Qu’en pensez-vous?
Arts et AI – ObviousArts et AI -ObviousArts et AI -ObviousArts et AI -Claire MalrieuxArts et AI -Claire Malrieux
C’est la nouvelle exposition de l’association des Artistes à la Bastille.
Elle se déroule dans le très beau lieu qu’est l’Espace Commines .
L'exposition présente le travail de 69 artistes réunis en une exposition autour d’une interrogation sur l’altérité, résumée par son titre : « TOI ÉMOI ».
« « TOI », c’est l’autre, différent de moi, proche ou lointain, qu’il soit humain, animal,végétal ou même … robotique.
« ÉMOI », car la rencontre est toujours interrogation, curiosité, bouleversement ; rêves ou cauchemars, histoires d’amour, de haine, rarement d’indifférence !
A l’heure où les sociétés sont prises du vertige de se refermer sur elles-mêmes, il est réconfortant de sentir, devant toutes ces créations, les désirs de partage se bousculer dans la tête des artistes. »
J’ai sélectionné quelques oeuvres qui j’espère vous donneront envie d’aller voir l’exposition, suivre ce collectif – allez voir le site de l’association.
du 15 au 18novembre 2018
à l’Espace Commines
17 rue Commines 75003 Paris
Bonne visite!
Mirella Rosner -May Chan Wai MuiMay Chan Wai MuiArtistes à la Bastille- Regine De Forge de ParnyArtistes à la Bastille- Pascale LefebvreArtistes à la Bastille- Pascal MathéArtistes à la Bastille -Mirella Rosner- Elli DrouilleauArtistes à la Bastille- Elisabeth BaillonArtistes à la Bastille- Colette RabeutheArtistes à la Bastille – Nathalie d’AlessandroArtistes à la Bastille – macha Volodina WintersteinArtistes à la Bastille – Loic LortschArtistes à la Bastille – Elisabeth LerolleArtistes à la Bastille – Elisabeth LerolleToi émoi- Artistes à la Bastille
Immmobilité fluide – sculptures – Verog et Nataliya Domina
Je connais le travail de Verog depuis des années et j’ai été heureuse de voir l’ensemble du travail présenté. Elle oeuvre sur le thème de l’emmaillotement et du cocon depuis longtemps utilisant utilisant de nombreux matériaux avec une prédilection pour le textile
J’ai par la même découvert Nataliya Domina et ses œuvres remarquables. Leurs univers se répondent et s’enrichissent par leur présence associée.
Dans la galerie, on pénètre dans un monde qui vous coupe de l’extérieur et du réel. On se retrouve dans un espace où organique, minéral, végétal, animal cohabitent.
J’ai eu l’impression de déliquescence, temps suspendu, obsolescence des corps.
La scénographie est admirable
Ces sculptrices occupent une place particulière dans le vaste univers de la sculpture. Elles travaillent avec des matières peu communes et donnent naissance à des objets chargés d’émotions, interrogations.
Extrait du site de Verog
Présentation de Véronique George (Verog ) et Nataliya Domina tentent de créer une poésie organique a partir de matériaux dits « pauvres « .
Elles essaient de traduire le passage du temps en explorant les tensions , la déformation de l’objet et l’Informe ; ainsi solidité et fragilité cohabitent.
A découvrir!
C’est jusqu’au 11 novembre à la galerie du Génie de la Bastille au 126 rue de Charonne 75011 Paris
Manufacture des Gobelins -Exposition « Chefs-d’œuvre de la tapisserie- Au fil du siècle, 1918-2018, »
C’est en ce moment et jusqu’au 4 novembre.
Le Mobilier national invite le public à relire le siècle écoulé à la lumière des
œuvres les plus illustres tissées aux Manufacture des Gobelins, de Beauvais,
de la Savonnerie et d’Aubusson
À travers la richesse de ses collections, conçues
en collaboration avec des artistes de grande renommée, le Mobilier national
offre un regard original sur les profonds bouleversements du siècle, en
termes artistiques, sociologiques, politiques et techniques.
Anquetin, Denis, Serrière, Beaume, Cappiello, Bracquemond, Lurçat,
Gromaire, Matisse, Picasso, Miró, Le Corbusier, Delaunay, Dufy, Derain,
Hartung, Zao Wou-Ki, Vasarely, Morellet, Bourgeois… sont parmi les grands noms
choisis et présentés.
Selon un parcours chrono-thématique, près d’une centaine d’œuvres sont exposées : tapisseries, tapis, cartons et mobilier dont la qualité témoigne de
la vitalité de la création et du savoir-faire exceptionnel des manufactures,
qui ont traversé ce siècle en se réinventant continuellement.
Place aux photos qui font la part belle aux tapisseries contemporaines ….
Pour les adeptes d’art textile et tapisserie – rappel de la très belle exposition du Musées d’Art Moderne Décorum
Paris Contemporary Art Show, salon de la jeune création internationale. Dans cet article, je vous présente mes coups de cœurs et les artistes qui ont retenu mon attention.
Fondé en 2010, le salon international d’art contemporain YIA – Young International Artists devient pour cinquième anniversaire au Carreau du Temple, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA ART FAIR.
A l’occasion de la semaine de l’art contemporain d’automne, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA ART FAIR met en lumière une scène contemporaine émergente et historique pour exposer à Paris une sélection de 65 galeries internationales d’excellence ; toutes présentes sur le circuit mondial de l’art contemporain.
Depuis sa création, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA ART FAIR est devenu à Paris le salon de référence pendant la FIAC. Organisé sous la Nef du Carreau du Temple, qui est à l’instar du Grand-Palais un lieu d’exposition d’exception à Paris, le P/CAS – Paris Contemporary Art Show by YIA ART FAIR accueille chaque année un public de plus de 20 000 visiteurs (collectionneurs, mécènes, institutionnels, professionnels de l’art, journalistes, artistes, amateurs d’art) pour présenter un nouveau regard sur une scène éclectique française et internationale.
Dans la série des bijoux nature dans l’air du temps, je voudrais….
Des bijoux nature, des bijoux de notre temps, emprunts du passé et signes de notre époque;
Besoin de nature, consommer autrement, faire avec ce que l’on a, préserver la vie…
La nature est partout, elle nous est nécessaire !
La ville regorge d’éléments abandonnés à réinventer.
Nos tiroirs, armoires sont pleins de bijoux fantaisie désuets, cassés à réutiliser.
J’aime faire du beau avec des petits riens, et mélanger les petits riens à des matériaux plus nobles de la bijouterie classique fantaisie tels que l’argent ou les pierres de gemme.
Le beau est partout à qui sait le voir, la création se nourrit de TOUT et…. la mixité, c’est la vie.
Ce credo que j’applique en art, je l’adopte aussi avec les bijoux.
Je vous propose donc des bijoux originaux, différents qui véhiculent certains messages. Ils sont faits avec des éléments prélevés dans la nature et le quotidien; des coquillages, graines d’eucalyptus, coques de gland, fleurs séchées, fleurs naturelles, mélangés à des perles de pierre grenat, opale, perle d’eau, grelot vintage, éléments de bijouterie fantaisie vintage, bout de chambre à air, des tickets de métro, vieilles pièces, bois, apprêt bronze ou argent.
L’apparente fragilité de certains éléments est toute relative.
Le fil que j’utilise est plus résistant qu’une chaîne fine en argent et même en or.
Les fleurs naturelles ne durent qu’un court moment et nécessitent un peu de soin pour durer » fraiches – environ 2-3 jours » puis séchées.
Les fleurs et graines sèches, vernis peuvent traverser l’année et quelques autres si elles ne son pas écrasées.
La fragilité des composants participe à la différence de ces bijoux. Ils sont fragiles tout comme la vie.
J’ai commencé la création « professionnelle » de bijoux il y a 6 ans avec des bijoux de fils de coton et d’argent, un fil associé à une chaîne en argent, simplicité, lien bijou que l’on noue et partage; l’idée originelle était la vente par 2 avec le lien comme signe de reconnaissance et de partage . Jugés « trop fragiles » pour être vendus, je leur ai trouvé et associé un fil breveté, haute résistance.
A l’exception des liens, tous les bijoux sont des pièces uniques.
Place aux photos – certains bijoux sont disponibles à la vente – il vous suffit de cliquer sur la photo pour aller sur le site marchand et avoir d’autres photos, informations et prix. Voici l’accès à ma boutique en ligne – pour en découvrir plus
