Le grand Kiefer est omni présent et partout . Présent au Panthéon depuis 2020, après le Grand Palais éphémère 2021 (Trocadéro),la White cube de Londres, participant à la Biennale de Visite 2022, il est aussi exposé chez Taddeus Ropac à Pantin jusqu’au 11/05/22.
C’est là que je l’ai retrouvé!
Je dois vous avouer que j’ai été ravie de cette exposition bien qu’elle confirme ce que j’avais trop fortement ressenti au Grand Palais Ephémère (voir ici). Le grand Kiefer n’expose pas pour faire passer des messages au grand public- comme ses titres, les écritures sur ses tableaux pourraient le laisser penser. Il écrit pour lui! Il expose pour lui!
L’exposition de Pantin plus abordable dans ces thèmes, présente pèle-mêle des toiles inspirées de plusieurs poètes et de la Kabbale.
Depuis les années 1990, Anselm Kiefer a dédié plusieurs séries d’œuvres aux poètes Paul Celan, Ingeborg Bachmann et Velimir Khlebnikov, trois auteurs ayant entrepris de dresser le langage contre l’oubli et la barbarie. Il est également très influencé par les écrits de la Kabbale.
Chez Ropac aussi, aucune muséographie n,est là pour éclairer ses œuvres, et ouvrir à la poésie tant criée. Les inscriptions manuscrites de ses oeuvres sont reprises en titre et raccourcies et seul le titre est traduit – sur demande …
J’ai aimé à nouveau sa peinture, la variété des œuvres proposées et la lumière qui se dégageait de l’exposition. Son travail ouvre les portes des champs de l’art et montre que l’art est grand et nécessaire!
C’et toujours un grand plaisir de franchir la grille du Parc et de marcher dans les senteurs et couleurs de la nature jusqu’au pavillon des artistes du Cercles des Artistes de Paris, le numéro 18. Là d’autres couleurs , lumières, visuels vous accueillent. Ce salon est un lieu de rencontres et d’échanges avec le public bien sûr et également avec les autres artistes qui ont lieu dans une ambiance joyeuse et apaisante.
Cette année, j’ai choisi de vous présenter le salon sous l’angle de la sculpture – Cet article est un « spécial sculptures et volumes ».
Comme pour la peinture, le choix des artistes correspond à un large panel de type de sculptures différentes; modelage avec les terres cuites, des bronzes, de la pierre , de la pierre et du verre, du bois, de la dinanderie, de la soudure, de l’assemblage (composition avec des éléments de récupération, des matériaux nobles et des éléments de la nature et du quotidien). Vous y trouverez de l’art minimaliste, des grandes pièces, de la sculpture 3 D.
J’ai ajouté à cette présentation certains tableaux – peintures qui sortent du cadre et intègrent le volume.
Très souvent des artistes sont là et vous renseignent si vous le souhaitez sur leurs techniques et celles des autres. N’hésitez pas , allez à la rencontre des artistes.
CHRISMALI
MERZOUGUI
Cette année, Chrismali a présenté une sélection d’œuvres sur le thème de la mixité – mixité des composants – travail en plat et volume – le tickets de métro fait le lien. Vous trouverez des éléments comme les capsules d’œufs de raie, de la fibre végétale, des textiles, du papier, des papiers cousus, du fil, du fer, de la terre, des muselets de bouchons de champagne, de l’encre, de l’acrylique, des plumes, de la porcelaine faite main , des végétaux, des pierres, des perles, de la radio…
Prochainement, si le coeur et les emplois du temps s’accordent, voici 2 occasions de se retrouver .
Exposition Aliz’Art du 28 au 2 avril 2022 – Espace 148 au 148 rue Paul Vaillant Couturier -94 Alfortville
Exposition du Cercle des Artistes de Paris du 30 avril au 29 mai- Parc FLoral de Vincennes -75 Paris
Exposition Aliz’Art du 28 au 2 avril 2022 – Alfortville
Lors de l’exposition Aliz’Art, » célébrons le printremps » je participe au projet collectif du groupe et présente une série de 6 tableaux réalisés en techniques mixtes – aquarelles réalisées ) partir de 3 couleurs imposées et collage tickets de métro.
C’est Viva -Vie – Envie !
Chrismali – Collage sur toile – 30*30 cm
Dans l’espace dédié à Chrismali, j’ai choisi le thème de l’eau et expose 8 tableaux réalisés entre 2020 et 2022 sur ce thème qui m’est cher. Techniques mixtes, collage et tickets de métro – aquarelle ou acrylique. C’est le bleu qui domine. L’eau c’est la vie – comme le disait déjà Saint Exupéry en 1939.
Eau, tu n’as ni goût, ni couleur, ni arôme, on ne peut pas te définir, on te goûte, sans te connaître.
Tu n’es pas nécessaire à la vie : tu es la vie.
SAINT-EXUPERY, Terre des hommes,1939
L’eau -n’appartient pas a la famille du végétal, ni de l’animal et à ce titre n’a pas le statut d' »être « .
« Eau » Qui es-tu ?
Toi qui jaillis Toi qui es la vie Toi qui es nous
On te capte, on te salit On te vend au plus offrant
Eau vivante inspirante Tu es traitée comme un objet Une nature morte
Essentiel au vivant Tu n’as pas de droits Pourquoi?
Chrismali
Quand eau,ciel et terre se rencontrent, je disparais.
Aliz’art a proposé à des classes de grande section de maternelle de partager leur créations sur le thème universel du printemps. C’est donc l’occasion de faire correspondre des œuvres intergénérationnelles et d’accueillir de très jeunes publics .
Une exposition colorée et gaie avec des petits enfants qui s’éparpillent comme des volées de moineaux! Voici quelques accords
Exposition Cercle des Artistes de Paris du 28 au 2 avril 2022 au – du 30 avril au 29 mai – Parc Floral – Paris 75012
L’art est ce domaine de liberté où tout est possible, sans limites. Seul le regard, conditionné à la notion du beau et des conventions limite les perceptions, les créations. Alors ouvrons les regards – élargissons le champ des possibles!
Cette année , je présente un univers composé de sculptures et tableaux. Le fil conducteur est la mixité des composants et la cohérence du grand mélange!
Végétaux, tickets de métro, petits rien , bijoux, porcelaine, papier, textile, bois, argile, petits objets du quotidien, fer seront au rendez-vous…
J’espère que vous prendrez plaisir à découvrir l’ensemble et que nous aurons la joie de nous y retrouver.
Le temps file, la vie défile. Quand c’est possible, je me nourris d’art. Parfois la boulimie me prends et je fais de nombreuses expo en peu de temps.
L’envie, le besoin de créer sont là, il me faut donc arbitrer entre donner mon temps à l’ordinateur, au téléphone, aux réseaux sociaux et le prendre pour composer, créer, rencontrer d’autres artistes et échanger autour de l’art.
Il y a donc plein d’expo dont je ne vous ai pas parlé.
Alors à la manière d’un pêle-mêle, voici des photos et quelques commentaires d’expo galeries, musées de cette période passée qui ont retenu mon attention
Annie et Joseph Albers au MAM
Une très belle exposition de ces 2 artistes qui ont exploré la couleur, le modernisme et porté l’art contemporain au plus grand nombre.
Ayant œuvrés dans la célèbre école le Black Mountain College, utilisant de nombreuses techniques, composants et directions, ils ont exploré de multiples facettes de l’art, l’art fonction avec le Bauhaus , l’art en recherche de forme, volumes et couleur, l’art moderne et l’artisanat.
Au Palais de Tokyo.
L’exposition vache qui rit » Elle rit »
Ce sont des des images mémoires avec une marque qui a développé un visuel fort dès 1923 et qui a travaillé au fil du temps avec de nombreux artistes pour le faire évoluer sans le perdre . C’était une exposition sympathique, joliment scénographiée qui vous emmène dans vos souvenirs.
Ubuntu – un rêve lucide
Une exposition riche ayant comme propos de mettre en avant une philosophie africaine humaniste fondée sur l’idée de communauté, solidarité, hospitalité – « Je suis parce que nous sommes ».
Sarah Maldoror
Cett exposition présente le parcours de cette cineaste engagée – pionnière du cinéma africain
Galerie Perrotin
Lee Bae – le noir en constellation
Lee Bae travaille avec du charbon de bois en épaisseur et crée de intensités de noir et de grands dessins remarquables
Laloy
Galerie Papillon
Gaelle Chotard – Frémissement
Un très bel univers, composé d’encre, papier, fil de fer, plâtre, couleurs. Une grande sensibilité s’en dégage.
Lou&Lou Gallery
Lydie Aricks
Une facette plus sombre du travail de l’artiste qui brise les codes et compose avec de nombreux matériaux – pour découvrir d’autres réalisations ici
Galerie Maubert
« Seules comptent les terminaisons » – exposition collective
Avec ADRIEN COUVRAT, SARA FAVRIAU, NICOLAS FLOC’H, AGNES GEOFFRAY, ATSUNOBU KOHIRA, OLIVIER LEROI, ERIK NUSSBICKER, DAMIR OCKO, PAYRAM, MAREN RUBEN, NATHALIE TALEC
Galerie Ropac
Eric Wurm
« L’œuvre de Wurm s’inscrit dans la transformation des objets banals en sculptures ayant une apparence absurde. La création d’une œuvre est alors pour Wurm une procédure d’émancipation : c’est libérer les objets de leur contexte familier et leur donner un sens hors de commun. C’est aussi un processus de remise en question des objets du quotidien. Son travail conserve l’inspiration majeure de ce mouvement, qui nous sollicite à explorer l’« art » dans le déroulement du quotidien et dans les conditions de l’existence singulière de l’objet banal. » source Wikipédia
La jeune créatrice Charlotte Lionnard a présenté du 21 au 23 janvier 2022, en marge de la Fashion week homme, sa première collection mode homme, «LIKE A SNAKE BITING ITS TAIL».
Charlotte Lionnard – designer
La collection Lionnard est toute saison. Elle offre un vestiaire pluriel et raffiné qui mélange et accumule les inspirations allant de l’intérieur désuet de nos grands- parents, aux accents glamrock du Londres des années 90 en passant par le surréalisme poétique de KangHee Kim.
Dans un showroom pensé pour l’événement, Charlotte Lionnard a créé un cadre et une scénographie pour installer ses pièces et proposer un visuel qui immerge le visiteur dans son univers.
Charlotte Lionnard présente sa marque comme une alternative à la garde robe masculine où règneraient sensualité et fantaisie. Elle incorpore le féminin dans la vestiaire masculin tout en rejetant une vision binaire du genre. Il s’agit d’être féminin et masculin ou aucun des deux à la fois, c’est une mode inclusive.
Charlotte Lionnard crée des vêtements incorporant des process artisanaux qui rendent nombre de ces vêtements uniques . Elle a en effet développé une technique d’impression et de dessins réalisés par décoloration du tissu. De sa formation de design textile, elle garde le goût de la broderie, des matières composées et associées proposant ainsi des pièces issues de ses propres tissus.
Dans le but de dévoiler une partie de son processus créatif , partager son univers et donner matières à discussion, la designer a réalisé une large fresque, « mood board », intégrant de nombreux éléments photos, tissus, végétaux, bijoux, ses dessins de collections.
Dans l’espace, une zone destinée à la photographie à été installée – un grand damier noir et blanc sur une pelouse verte avec 2 Ikéabana, mettent en scène le mannequin présent Ydriss Bellouti et ceux qui souhaitent essayer les vêtements.
Elle a été accompagnée dans l installation du showroom par son complice de longue date ,Jean-Baptiste Lorthiois .
En collaboration avec Charlotte Lionnard, il a créé 4 pièces IKeabana.
Artiste travaillant presque exclusivement avec le pastique – à découvrir sur son site – dans le but d’associer leur univers, il s’est ouvert à de nouveaux composants tels que les fleurs séchés, les chaines de bijoux, les textiles, les plumes .
Les œuvres réalisées sont de magniques Ikéabana joyeux, colorés, riches et complexes s’intégrant parfaitement dans le vestiaire LIONNARD et la scénographie du lieu.
Jean Baptiste Lorthiois est plasticien, scénographe, performer , mannequin occasionnel pour LIONNARD. C’est un créatif passionné, profil hybride entre art et stratégie – doté d’un double cursus école d’art & SciencesPo afin de s’impliquer au mieux dans les projets les plus divers.
Son travail s’articule, souvent avec humour, autour de diverses démonstrations par l’absurde du désir de consommation.
Le 2 décembre 2021, lors de la 76e session de l’Assemblée générale des Nations-Unies, il a été décidé que l’année 2022 serait « l’Année Internationale des sciences fondamentales pour le développement durable ».
A l’heure où les équilibres se fissurent, les inégalités s’accroissent, les certitudes passées tombent, il est bon de savoir que des équipes de chercheurs de nombreux pays vont collaborer ensemble pour envisager toutes les solutions de vie possible à partir de modélisations scientifiques et de données connues. Cette terminologie » sciences fondamentales pour le développement durable » inclut tout aussi bien les domaines attendus de la physique, chimie, santé, climatologie que les sciences sociales et bien d’autres.
« L’ONU considère que les applications des sciences fondamentales sont essentielles aux progrès de la médecine, de l’industrie, de l’agriculture, des ressources en eau, de la planification de l’énergie, de l’environnement, des communications et de la culture. « Ces sciences et les technologies émergentes pourvoient aux besoins de l’humanité, en donnant accès à l’information et en améliorant la santé et le bien-être des personnes, des communautés et des sociétés », souligne-t-elle.
L’Année internationale des sciences fondamentales pour le développement durable braquera ainsi les projecteurs sur les liens entre les sciences fondamentales et les Objectifs de développement durable. Elle sera un moment clé de mobilisation pour convaincre de leur importance les responsables économiques et politiques, ainsi que le grand public, explique le site dédié. »
En 2022, je souhaite mettre en avant le bien commun, les oeuvres communes, le collectif.
Pour démarrer l’année et se retrouver, l’exposition collective de Charenton – le salon Art et Liberté – du 20/01 au 12/02.
Depuis la rentrée scolaire 2021, j’ai ressenti le besoin de me nourrir d’art, d’un certain type d’art – celui qui montre que l’art est multiple, que l’art est dans le regard , le faire et les intentions, que l’art est message et que l’art est chemin.
Je vous présente ci-après 2 grands artistes vivants inspirants qui travaillent sur la notion de mémoire et qui interrogent sur le sens de la vie.
2 Grands artistes Kentridge et Kiefer
William Kentdridge
Exposition récente William Kentridge – Finally Memory Yields- galerie Marian Goodman – Paris
L’exposition est centrée sur le mythe de la Sibylle de Cumes qui écrivait votre destin sur une feuille de chêne et plaçait la feuille à l’entrée de sa grotte, formant peu à peu un amas de feuilles. Mais, alors que vous allier récupérer la feuille vous correspondant, un vent se mettait à souffler et faisait tourbillonner les feuilles, de sorte que vous ne saviez jamais si vous obteniez votre destin ou celui d’un d’autres .
La vidéo « Sibyl » a été conçu pour son opéra de chambre « waiting for the sibyl »:
« Les phrases qui apparaissent dans l’opéra de chambre proviennent d’un large éventail de sources : de proverbes, de phrases trouvées dans des cahiers, de vers de poètes de Finlande, d’Israël, d’Afrique du Sud, d’Afrique du Nord, de différents endroits d’Amérique du Sud et de par le monde – qui sont soit utilisées telles quelles, soit adaptées ou modifiées, mais qui répondent en quelque sorte à la question : « Dans quel but ? »
Les pages tournantes de Sibyl. font allusion au mythe de la sibylle de Cumes,.On souhaite éviter son destin, mais on sait qu’on va droit vers lui. Il plane ici l’idée que notre Sibylle contemporaine est en réalité l’algorithme, qui connaît nos destins mieux que nous-mêmes. »
L’artiste
William Kentridge est né en 1955 à Johannesbourg en Afrique du Sud où il vit et travaille toujours. Son œuvre est pluridisciplinaire; il travaille avec le dessin, le film, la gravure, la performance, la sculpture et la peinture.
Il a également réalisé de nombreuses mises en scènes d’opéras et de productions théâtrales. Il a participé à un nombre significatif de manifestations et biennales internationales comme la Documenta X (I997), XI(2002), et XIII et la Biennale de Venise (1993, I999 et 2005). Kentridge a reçu de nombreux prix et distinction comme le Praemium Imperiale Award de peinture (2019). En septembre 202I il est nommé membre étranger associé à l’Académie des Beaux-Arts en France.
Kiefer c’est l’artiste du gigantisme, un artiste à déchiffrer car ces messages sont nombreux. je le suis depuis des années. Tout comme Kentdrige, il m’inspire et je l’admire. Je vais vous présenter sa dernière exposition au grand palais éphémère ,. espace monumental de 10 000m2 conçu par l’architecte Jean Michel Wilmotte. C’est dans un univers de type grand hangar pour avions que Kiefer a imaginé son exposition » Hommage à Paul Celan » . C’est là qu’il a posé ses toiles, installations et qu’il a simulé une partie de son atelier en nous exposant une partie des composants de ses œuvres.
Quand on pénètre dans le Grand Palais éphémère, on est stoppé par l’obscurité du lieu. Un temps d’adaptation est nécessaire pour percevoir les couleurs, reliefs des œuvres. Celles-ci comportent majoritairement des textes en allemand. C’est une très grande exposition Kiefer, une taille à sa hauteur.
Dans les extraits de son journal rédigés pendant la préparation de l’exposition au Grand Palais Éphémère, Anselm Kiefer écrit :
« Celanne se contente pas de contempler le néant, il l’a expérimenté́, vécu, traversé…La langue dePaul Celanvient de si loin, d’un autre monde auquel nous n’avons pas encore été confrontés, elle nous parvient comme celle d’un extraterrestre. Nous avons du mal à la comprendre. Nous en saisissons ça et là un fragment. Nous nous y accrochons sans jamais pouvoir cerner l’ensemble. J’ai humblement essayé, pendant soixante ans. Désormais, j’écris cette langue sur des toiles, une entreprise à laquelle on s’adonne comme à un rite.
Je dois avouer que j’ai été déçue de ne pas comprendre tous ses textes écrits, cet hommage! On ressent une inspiration forte , une obsession ! il y a bien sûr, ce qui se ressent, pour moi c’était la violence, l’explosion, le besoin de rappeler l’histoire. La muséographie ne rend pas le propos de l’exposition compréhensible; seuls les titres allemands des œuvres étaient traduits.
Si vous voyez cette exposition, partagez moi votre sentiment!
Je vais prochainement aller à Pantin chez Taddaeus Ropac voir son exposition qui démarre.
Pour retrouver ses précédentes expositions voici des liens;
Je vous présente ici 2 grandes expositions, des monuments des peintures classique et moderne.
Botticelli, artiste et designer
Jusqu’au 24 janvier 2022 au Musée Jacquemart-André
Le musée Jacquemart-André célèbre le génie créatif de Sandro Botticelli (1445 – 1510) et l’activité de son atelier et expose une quarantaine d’œuvres de ce peintre raffiné accompagnées de quelques peintures de ses contemporains florentins sur lesquels Botticelli eut une influence particulière. C’et également au travers le déroulement de la carrière de Botticelli, une plongée dans l’histoire de Florence sous les Médicis.
Botticelli est l’un des peintres les plus connus de la Renaissance. Il a très vite été à la tête de son propre atelier, il a alterné création unique et production en série achevée par ses nombreux assistants. Son atelier est présenté comme un laboratoire foisonnant d’idées et de formation, typique de la Renaissance italienne. L’exposition dépeint Botticelli le créateur, l’entrepreneur et le formateur.
Sa formation d’orfèvre lui a permis de transposer ses dessins dans des techniques diverses; les broderies, tapisseries et autres marqueteries dont il conçoit les modèles, il supervise parfois l’exécution qu’en font les artisans spécialisés.
Pour différents supports, Botticelli puise à un large répertoire de figures qu’il adapte en fonction des procédés utilisés. Il décline ainsi une grande variété de compositions autour de motifs récurrents.
Cette pratique est courante au sein des ateliers du Quattrocento, elle nécessite un effort d’innovation constant pour ne pas lasser. Botticelli, s’est avéré un expert du réemploi.
La Collection Morozov. Icônes de l’art moderne
Jusqu’au 22 février 2022 à la Fondation Louis Vuitton
La collection Morozov réunit plus de 200 chefs-d’œuvre d’art moderne français et russe des frères moscovites Mikhaïl Abramovitch Morozov (1870-1903) et Ivan Abramovitch Morozov (1871-1921).
La Collection Morozov rassemble des œuvres majeures de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Monet, Bonnard, Denis, Matisse, Derain et Picasso aux côtés d’artistes emblématiques de l’avant-garde russe tels que Vroubel, Malevitch, Répine, Larionov, Sérov.
C’est l’occasion de voir des Picasso, Gauguin , Bonnard, Munch, Van Gogh et des artistes russes qui n’avaient jamais voyagés hors de Russie depuis leur appartenance à la collection Morozov.
Cette exposition – évènement à la fondation Vuitton, est la deuxième exposition d’envergure consacrée à l’engouement, à la passion précoce, de deux familles de la haute bourgeoisie russe pour la révolution de l’art moderne, commencée en Europe et particulièrement à Paris, à la fin du 19e siècle. La première manifestation présentée était la magnifique collection Chtchoukine.
Chrismali fait partie de l’association Aliz’Art depuis 15 ans. Dans cet article, je vous fais découvrir une partie de l’exposition d’Aliz’Art 2021.
Aliz’Art c’est tout d’abord un petit nombre d’amis rassemblés par le plaisir de peindre ensemble et d’organiser une exposition par an.
Soutenue par par la municipalité d’Alfortville, Alz’Art présente son exposition annuelle à l’espace culturel le « 148 », dans un très beau lieu et une vaste salle qui viennent de faire peau neuve.
Le thème 2021 traite de la forêt et présente les interprétations des 8 membres de l’association.
En célébrant les arbres, nos amis silencieux, source de vie, Aliz’Art invite à une balade en forêt où chacun pourra, s’il le souhaite, puiser un peu de force et de sérénité. D’autres thèmes sont abordés librement.
Vernissage samedi 11 à 18h30.
Exposition du 7 au 17 décembre de 15h à 19het le dimanche de 11h à 19h
‘Espace culturel « Le 148 » 148 rue Paul Vaillant Couturier 94140 Alfortville
2 grands artistes qui ont marqué, marque leur époque .
O’Keeffe – Georgia (1887-1986)
Le Centre Pompidou présente la première rétrospective en France de Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), l’une des plus grandes figures de l’art nord-américain du 20e siècle. L’exposition comporte une centaine de peintures, dessins et photographies de l’ensemble de son œuvre.
Dès 1916, son travail est exposé à la galerie 216, la galerie du photographe Alfred Stieglizt qui est le lieu de diffusion de l’art moderne aux Etats Unis. Georgia O’Keeffe est une femme de caractère, amoureuse de la nature, elle a mené sa carrière et a traversé l’essentiel des aventures esthétiques américaines du siècle précédent. Dans les années 1920, elle appartient au cercle restreint des inventeurs du modernisme américain, puis participe, dans les années 1930, à la recherche identitaire qui marque les États-Unis, avant de devenir dans les années 1960 une pionnière de la peinture abstraite.
Dans l’interview présenté, elle dément le parallèle au sexe féminin interprété dans ses peintures. Elle en a certainement joué, elle qui a su adapter sa peinture à ce qu’elle aime et intéressait le monde de l’art pendant presque 90 ans .
C’est une très belle exposition pleine de couleurs, d’arrondis, de courbes ,variée dans ses sujets ou sa patte se reconnait dans ses couleurs, ses mélanges, ses fondus et dégradés subtils et ou l’abstrait se décèle dans son figuratif et inversement.
Elle disait d’ailleurs « La peinture réaliste n’est jamais bonne si elle n’est pas réussie d’un point de vue abstrait.»
O Keffe
O Keffe
O Keffe
O Keffe
O Keffe
O Keffe
O Keffe
Georgia O Keffe
O Keffe
Georgia O Keffe
J’ai vu le même jour l’exposition Baselitz – après la douceur, lumières et la sérénité qui se dégagent des peintures de Georgia O’Keeffe. Il y a comme un choc quand démarre l’exposition Baselitz.
Tout comme O’Keeffe, c’est un artiste qui a voulu prendre sa place dans le monde de l’art et qui a recherché des moyens et adaptés ses créations à sa volonté et ce qu’il souhaitait exprimer.
Georg Baselitz (1938)
Le Centre Pompidou consacre une rétrospective d’une soixantaine d’oeuvres à l’inclassable Georg Baselitz,
Baselitz présente une peinture torturée, des oeuvres brutes, brutales.
Baselitz dit de lui-même » Je suis né dans un ordre détruit, un paysage détruit, un peuple détruit, une société détruite. Et je n’ai pas voulu réinstaurer un ordre; j’avais vu assez de soi-disant ordre. J’ai été contraint de tout remettre en question, d’être « naïf », de repartir de zéro. Je n’ai ni la sensibilité ni la culture ni la philosophie des maniéristes italiens, mais je suis maniériste au sens où je déforme les choses. Je suis brutal, naïf et gothique »
C’est un être profondément meurti par son histoire personnel et l’époque; il est né en 1938 en RDA et y étudia l’art.Il a pris le nom de la ville ou il agrandi Deutschbaselitz. Il rejoint Berlin Ouest en 1957 peu avant que la guerre froide n’interdise de quitter la RDA.
« Dans une Allemagne plus divisée que jamais, il adopte le surnom de Georg Baselitz en août 1961 (au moment de la construction du Mur de Berlin), du nom de son village natal à présent de l’autre côté du mur. Prend alors forme une œuvre anticonformiste, malade, crue, qui ne tarde pas à créer le scandale, à l’instar de La Grande Nuit foutue (1962-1963), sorte d’exhumation de la figure hitlérienne contre le refoulement collectif, qui lui vaudra un procès pour atteinte à la pudeur.
Ses toiles ne cesseront ensuite de dépeindre l’empreinte néfaste de l’idéologie sur l’individu, en représentant des corps volant en éclats ici et là, de ses autoportraits à la série des Héros. En 1969, il signe un nouveau coup d’éclat en renversant littéralement le motif de ses tableaux. Son premier tableau renversé est inspiré d’une toile de Louis-Ferdinand von Rayski, dont il reproduit le motif tête en bas. Par ce nouveau modus operandi, Baselitz ouvre la voie à de nouvelles expérimentations sur la peinture en elle-même, reléguant le motif au second plan. Ce renversement deviendra dès lors un signe distinctif de son art.
Transgression, renversement, l’identité artistique de Baselitz est là.
Dans ses œuvres plus tardives, l’artiste allemand se rapproche de l’expressionnisme abstrait, tout en entamant un travail de sculpteur qui déclenche de nouveau la polémique à l’image de Modèle pour une sculpture, présenté pour la première fois à la Biennale de Venise en 1980, dont la forme rappelle le salut nazi. A cette époque, Baselitz est un artiste internationalement reconnu. Il continue sans relâche son exploration des formes, des souvenirs, dans des tableaux de plus en plus abstraits, de plus en plus monumentaux. S’en suivra notamment le cycle Remix, entamé en 2005, où l’artiste dialogue sur la toile avec ses influences et ses propres créations. Les œuvres récentes, résolument moins provocantes, confirment un virage plus intime, centré sur soi, sur ses souvenirs d’enfance, sa jeunesse, son couple, sur les corps qui vieillissent et s’enfoncent dans l’oubli. «
Vous cherchez des idées de cadeaux de Noël originaux qui ont du sens et qui sauront être appréciés?
Je travaille avec la volonté de montrer » qu’avec peu , on peut faire beaucoup « – un seul ticket de métro se transforme en tableau, des magazines commerciaux se transforment en livres d’art- des personnages naissent de quelques éléments de la nature et du quotidien,- des bijoux anciens , cassés sont réinventés et offerts.
Le ticket de métro avec lequel je travaille depuis 2014 est devenu un sujet d’actualités du fait de sa fin proche. Il est la trace d’une époque, il symbolise le transport collectif , la dans les grandes villes et bien sûr Paris.
Pour ce Noël, je vous propose comme cadeaux de Noël, une série de créations autour de 4 familles s’inspirant principalement de l’univers des tickets de métro, créations originales uniques – très petites séries pour les T-shirts, légères et de faibles encombrement pouvant être aisément expédiées!
Des t-shirts Chrismali imprimés d’œuvres tickets de métro très graphiques – quelques modèles disponibles – les autres tailles sont à faire réaliser sur commande – 28 euros le T-Shirt
Ma Ville Mon Shopping , une entreprise de la POSTE qui privilégie le commerce local, est la platteforme que j’ai choisie pour mes ventes internet . (Si vous voulez en savoir plus voir page dédiée)
Les modes de livraison sont les suivants
1- Click and collect – sur rendez-vous à l’atelier – adresse et heure de rdv communiquées par mail ou sms . Ce mode de livraison n’est proposé qu’au client/prospect du département 75. Si vous n’êtes pas du 75 et que vous préférez ce choix sans frais. contactez-moi par mail mclhrismali.com ou tel 06 23 58 01 26
2- Livraison organisée par le commerçant – envoi postal géré par Chrismali et facturé 2 euros pour les commandes inférieures à 30 euros
3- Livraison standard – par colissimo à votre charge – expédition gérée par Chrismali
Si vous souhaitez voir – revoir mes autres créations – celles qui n’appartiennent pas à la catégorie des miniatures- voici ma page et si vous êtes intéressés par une oeuvre ou plusieurs, dites le moi, je vous enverrai ma liste de prix.
Je vous souhaite de bonnes fêtes de fin d’années en famille, entre amis.
Prenez soin de vous et vivez les instants qui passent.
